La nueva Resident Evil parte de una historia propia, personajes nuevos y libertad suficiente para reinterpretar la saga sin reconstruir alguno de sus videojuegos. Zach Cregger aprovecha esa decisión para buscar su identidad en la vulnerabilidad, la exploración, la escasez y esa sensación tan familiar de que cualquier elección puede complicar todavía más las cosas.
La película encuentra ahí su mayor virtud. Funciona como una aventura de terror y supervivencia con personalidad propia y, al mismo tiempo, conserva suficientes reglas del survival horror para que un jugador reconozca rápidamente el terreno en el que se está moviendo. Austin Abrams sostiene buena parte de esa experiencia con un protagonista tremendamente fácil de querer, mientras la fotografía de Dariusz Wolski y una puesta en escena muy consciente del lenguaje del videojuego completan uno de los acercamientos cinematográficos más interesantes que ha tenido la franquicia.
El mando desaparece, pero la lógica de Resident Evil continúa presente.
SIN SPOILERS
Esta crítica no revela acontecimientos importantes de la trama ni el desenlace de Resident Evil.
El survival horror sigue funcionando sin un mando
Una partida permite decidir cuándo combatir, cuánto explorar, qué merece la pena gastar o hasta dónde conviene asumir un riesgo. En una película esas elecciones corresponden al protagonista, aunque Resident Evil ofrece suficiente información para que el espectador valore constantemente las mismas posibilidades.
La munición vuelve a tener importancia. Encontrar un arma proporciona una ventaja, pero cada disparo implica consumir algo que puede hacer falta unos minutos después. Algunas amenazas invitan a actuar inmediatamente; otras convierten una solución aparentemente sencilla en una decisión que merece pensarse dos veces.
Los escenarios siguen la misma lógica. Puertas cerradas, caminos inaccesibles y diferentes obstáculos convierten el avance en una pequeña sucesión de problemas que necesitan solución. Hasta las cerraduras mantienen esa obstinación tan propia de la saga, capaces de seguir haciendo perfectamente su trabajo aunque haya un arma a pocos centímetros.
Cregger ha explicado que Resident Evil 2 fue uno de sus primeros grandes contactos con la franquicia y que la conservación de recursos le llamó especialmente la atención: el jugador necesitaba saber cuánta munición y curación conservaba antes de decidir cómo afrontar cada situación. Esa preocupación forma parte deliberadamente de la película.
Bryan consigue mejores herramientas y aprende a desenvolverse con mayor eficacia, pero nunca llega a dominar aquello que tiene delante. Cada nueva localización puede introducir otro peligro y exigir una respuesta diferente.
Esa incertidumbre permite trasladar una parte importante del videojuego sin intentar imitar mecánicamente su funcionamiento. Bryan ejecuta las decisiones y el espectador continúa haciendo sus propios cálculos.
Una bala conserva su valor aunque nadie tenga que pulsar un botón para dispararla.
Bryan convierte la vulnerabilidad en el corazón de Resident Evil
Un protagonista preparado para el combate habría cambiado por completo la película. Bryan es un mensajero sanitario atrapado en una situación que le supera desde el primer momento, y Austin Abrams aprovecha esa fragilidad para construir uno de sus principales aciertos.
Bryan siente miedo, improvisa, se equivoca y aprende. Su evolución resulta creíble porque la experiencia adquirida nunca borra completamente al pobre tipo que solo quería hacer una entrega y volver a casa. Cada problema resuelto le aporta algo más de confianza y cada nueva amenaza vuelve a recordarle dónde se encuentra.
Abrams transmite pánico, tensión, tristeza y alivio con una naturalidad extraordinaria. También consigue algo fundamental para que el resto de elementos funcionen: que importe lo que pueda ocurrirle. La sensación de peligro aumenta porque resulta muy sencillo coger cariño a alguien que parece vivir permanentemente a un paso del siguiente desastre.
La concepción del personaje coincide con esa lectura. Cregger ha definido a Bryan como su aproximación a la reacción que podría tener un jugador corriente arrojado físicamente dentro de Resident Evil: alguien bienintencionado, poco preparado para combatir y obligado a desenvolverse dentro de una pesadilla.
Su progresión recuerda inevitablemente a una primera partida. Al principio desconoce las reglas y apenas entiende qué ocurre. Después identifica peligros, aprende de los errores y gana cierta seguridad sin perder nunca la sensación de inferioridad.
El humor también nace en buena medida de esa personalidad. Bryan sabe que todo se está yendo al desastre y aun así mantiene una peculiar fidelidad a su trabajo y al paquete que debe entregar. Profesionalidad ante todo.
La comicidad aporta descansos bien colocados y ayuda a construir el cariño por el personaje. El equilibrio fue además objeto de ajustes durante el montaje: Cregger explicó que los primeros pases de prueba hicieron evidente que la película contenía demasiados chistes y decidió eliminar bastantes antes de llegar a la versión estrenada.
El resultado permite que Bryan sea torpe, divertido y entrañable sin perder credibilidad como alguien aterrorizado que intenta sobrevivir.
Raccoon City se filma como un espacio jugable
La fotografía de Dariusz Wolski es uno de los grandes atractivos de Resident Evil. La oscuridad domina muchos escenarios y conserva suficiente información para entender el espacio, dejando al mismo tiempo lugares capaces de despertar desconfianza. La mirada acaba recorriendo fondos y esquinas en busca de salidas, amenazas o cualquier elemento que pueda adquirir importancia.
La cámara contribuye decisivamente a esa sensación. Hay momentos en primera persona, encuadres próximos a las perspectivas sobre el hombro y movimientos que recuerdan al lenguaje de los videojuegos sin convertir la película en una imitación permanente de ellos.
Cregger preparó storyboards de toda la producción y concibió la tercera persona como una referencia visual fundamental. La cámara acompaña el movimiento y la atención de Bryan, alternando con primera persona o una planificación cinematográfica más tradicional cuando la escena lo requiere.
El interés de esa decisión está en cómo transforma los espacios. Una puerta adquiere importancia antes de abrirse. Un rincón oscuro pide atención. La disposición del escenario permite anticipar posibles problemas y crea lugares que parecen construidos para ser recorridos.
Las criaturas participan en esa misma dinámica. Sus apariciones presentan amenazas con comportamientos y transformaciones diferentes, obligando a descubrir progresivamente qué puede hacer cada una. La variedad evita que todos los encuentros terminen funcionando de la misma manera.
El diseño resulta muy convincente en la mayoría de los casos. Deformaciones, tentáculos y mutaciones remiten a diferentes etapas de la franquicia mientras conservan suficiente personalidad. El infectado capaz de expulsar ácido queda claramente por debajo de los mejores diseños y constituye una de las pocas ocasiones en las que el acabado visual pierde fuerza.
Los homenajes reconocibles también aparecen repartidos por los escenarios. Hay objetos de curación, armas y otros detalles que un jugador identificará de inmediato. El propio Cregger ha confirmado que incorporó numerosos elementos visuales procedentes de los videojuegos, desde objetos de curación hasta la progresión de armamento.
Alguna referencia resulta demasiado evidente en su colocación, pero el conjunto evita depender de esa complicidad. La relación más interesante con los videojuegos aparece en la forma de recorrer los espacios, administrar lo disponible y enfrentarse a peligros todavía desconocidos.
Más supervivencia que miedo
La tensión funciona mejor que el miedo puro durante buena parte de Resident Evil. La posición de inferioridad de Bryan y la incertidumbre sobre aquello que puede aparecer a continuación mantienen una amenaza constante, acompañada por sustos bien medidos que nunca necesitan convertirse en el único recurso de la película.
El terror corporal tiene una presencia importante. Las transformaciones pueden resultar desagradables y la violencia alcanza momentos bastante explícitos, aunque el gore aparece con suficiente medida para mantener su impacto.
La acción sigue un camino similar. Hay enfrentamientos y secuencias muy aceleradas, pero la supervivencia continúa en primer plano. Bryan mejora porque acumula experiencia y encuentra nuevas soluciones, manteniendo así una evolución coherente con el personaje que se presentó al comienzo.
El ritmo contribuye mucho al resultado. La historia cambia de escenario con frecuencia, introduce amenazas nuevas y mantiene una sensación continua de avance. Esa estructura responde además a una intención reconocida por Cregger: cada ubicación debía ofrecer su propio tono y un peligro diferente.
El último tramo habría agradecido algunos minutos adicionales para desarrollar con mayor amplitud su escalada antes del desenlace. Es probablemente el reparo narrativo más claro dentro de una película que, por lo demás, administra muy bien su duración.
Humor, violencia y tensión conviven sin estorbarse. Las pausas cómicas permiten respirar y la amenaza recupera inmediatamente su lugar porque la fragilidad del protagonista nunca desaparece.
Una historia que se sostiene sin conocer la saga
Conocer los videojuegos añade una segunda capa, pero la historia de Bryan funciona sin conocimientos previos.
El propio personaje desconoce qué está ocurriendo y descubre las reglas a medida que avanza. Leon, Claire, Jill, Chris o Wesker resultan innecesarios para comprender el conflicto, y las referencias dirigidas a los aficionados tampoco contienen información imprescindible para seguir la trama.
Cregger explicó antes del estreno que planteó precisamente los easter eggs de esa manera: quien conozca los juegos reconocerá máquinas de escribir, objetos, progresiones y otros detalles, mientras que para el resto serán simplemente componentes naturales del escenario.
Los jugadores reconocerán objetos, encuadres y mecanismos asociados a diferentes etapas de Resident Evil. Para cualquier otro espectador, esos elementos forman simplemente parte del mundo en el que Bryan intenta sobrevivir.
Esa independencia abre además una conexión interesante con los videojuegos. La película permite entender parte del atractivo de las entregas más centradas en el survival horror: avanzar con recursos limitados, recorrer lugares hostiles, encontrar caminos bloqueados y afrontar amenazas que obligan a aprender continuamente.
Quien conecte con esas sensaciones encontrará después en los juegos una versión todavía más intensa de la misma idea, esta vez asumiendo directamente la responsabilidad de cada decisión.
Adaptar Resident Evil significa entender qué merece llegar al cine
Los videojuegos de Resident Evil acumulan décadas de historias, personajes y criaturas. También cuentan con una ventaja que el cine nunca podrá reproducir literalmente: el jugador participa en aquello que sucede.
La película de Cregger encuentra su identidad cinematográfica en elementos capaces de sobrevivir a ese cambio de medio. La vulnerabilidad de Bryan, el valor de cada recurso, la exploración y una puesta en escena pendiente del entorno construyen una experiencia reconocible sin depender de reconstruir escenas conocidas.
Ahí está la principal razón por la que esta Resident Evil funciona como película de terror y supervivencia y termina siendo también la mejor adaptación cinematográfica que ha tenido la saga hasta ahora.
Cregger ha encontrado una manera propia de trasladar sus sensaciones al cine. Durante buena parte del recorrido de Bryan, la distancia entre la butaca y el mando parece sorprendentemente pequeña.
Créditos de imágenes: © Sony Pictures / Constantin Film / Dušan Martinček. Material de prensa: Praesens-Film.
Para seguir descubriendo
Fear The Timeloop: cuando el tiempo también es tu barra de vida →
Del cine al videojuego: una historia de supervivencia que convierte el tiempo restante en otro recurso que hay que administrar.
Deja una respuesta